Toward the highest

- From material to spirituality

Mi-jin Kim

Ms. Seo, Jahyun, an artist whose creative output devise into the diverse genres of painting, installation, handicraft, and textile, has, in her latest work, expressed her growth as an artist and as individual, revealing the intense personal struggle she has endured in her quest to realize her expressiveness through the creation of works of art.

 Her major, textiles, several as a catalyst for her creativity, introducing her to the fine expressiveness inherent to texture, an introduction that has led to continuous research into the potential of this facet of artistic expression. To date, the pursuit of the subtle expressiveness of texture has led to works that employ a variety of materials such as Korean-style paper, Collage, pastels, acrylics, threads, and fabrics, to name just a few.

 Having lived and studied abroad, Ms. Seo has incorporated into her work the idea of the artist as an individual born from within a unique cultural background, a background that can be made to stand in sharp relief in the context of foreign cultures. Her work mirrors this experience of difference and explores the idea of the self as journeying from the familiar to the unfamiliar, revealing a variety of perspectives on the ideas ‘familiarity’ and ‘unfamiliarity’ as they are experienced in the struggle to render them into the form of art.

 It is not surprising that her early works reveal a strong affiliation with the notion of home, this being Korean and oriental she had known before ever having left it. There is revealed in her early work a deep connection to Korean culture as it is known in anticipation of leaving it. These works, done in Korean paper in the Collage technique, are concerned with the nature of being and express thins through abstractions that utilize earth tones. The works deal with the idea of primordial chaos and the dawn of creation, and place human perspective in harmony with the emerging, nearly unformed universe. Rather than man imposing his perspective on creation, within these pieces man is envisioned as being merely part of the balanced creation, a force whose vision does not seek to define. Rather, It simply ‘Is’.

 In 1994 the artist’s a vision turned to the circularity of nature, with the work exploring the form of a flower, Orchid, whose the shapes suggest the perpetual generation, growth and extinction of life as it is manifested in the fragile and finite individual entity who, in the wholeness of its being, embodies the cycle of life in the passing of time. Plan and realistic representation here works to emphasize the fact of the bloom, the promise of fruiting, and the reconciliation between eastern and western approaches to art within the ‘bloom’ of the artist, the individual work of synthesis. Again, these works return to a theme central to the artist’s work, this being the notion of man as existing as part of nature and his perspective as limited to his participation within its wholeness. We see here an image of the limitations inherent to perspective and the dichotomy of the subject as object and the object(the universe) as embodying an overarching and equalizing subjectivity.

The decentralizing view of mankind in creation is a theme that runs through all of the artist’s works, ‘la matiere’. In the course of exploring the various natures of artistic materials, the artist came to express her ontology through the very limitations and possibilities inherent to the materials. By rubbing, stamping, engraving, and inevitability of being in time. We see dynamism in the static image and feel the tug of time, pulling forward from the past into the future through the wonderful fact of being-in-the-now.

 Experimentation with a myriad of colors and materials can be an exploration of the ever-changing yet unchanged world od spirit in that it is an exploration of the ever-changing yet unchanged world of spirit in that it is an encounter with time in an act of reflection and projection. However, In order to stand in this relationship, one must approach creation in humbleness and piety, full of patience and an unflagging diligence, dedicated to being a servant of that greater Master which is Truth.

 In her most recent work, which depicts the Christian life, Ms. Seo seeks to reveal the call of faith to which all are subject. It seems as thought this more intense theme called for more intense material, yet, despite this intensity, Ms. Seo seeks to reconcile the spiritual with the corporeal and reveal the harmony of creation.

 Ms. Seo has a reputation for being an artist whose command over her craft has enabled her to be able to express her conception of spirituality with the corporeal and reveal the harmony of created universe through a presentation of nature envisioned and depicted as motivated by Divine intelligence and purpose. Realized it in time, the limitation of necessity hearken to the limitlessness of infinity. Ms. Seo is a multifaceted artist whose work reveals this balance.

 Artistic activities should be sincere, based in honesty and in the desire to uplift the vision of the world in order that all may praise the beauty of creation and know the joy of participation in its wonder. Ms. Seo embodies that ideal in her life and work, as she is an artist filled with an enormous energy with an experimental and idealistic spirit.

 In order to grow, one must prepare to face rigorous discipline with joy. with the knowledge that it is by this way that on approaches the Truth. The struggle to create true art is a struggle with the old self, our inner Adam-the path to true expression is the joyful relinquishing of the old self to higher faith. It is by listening to the ‘still, small voice’ of the heart that on is continually renewed and empowered to take eternal first step into awareness.

저 높은 곳을 향하여

-질료에서 정신성까지

 

 

텍스타일로부터 출발해 회화, 설치, 공예, 등 다양한 장르의 미술을 다루는 서자현은 살아오면서 느끼게 되는 작가의 정체성, 인간적 고뇌 등을 자유롭고 다양한 기법으로 표현해 내고 있다. 그는 텍스타일을 전공하면서 질감과 색채에 대한 연구를 계속해 왔으며 그 중에서도 한지와 여러가지 재료의 콜라쥬, 과슈, 파스텔, 아크릴릭, 실, 천, 등 다양한 재료들을 사용하고 실험해 오고 있다. 외국 유학생활은 다른 문화권에서 자신의 정체성을 찾게 해주어 서로 다른 점을 비교하거나, 수용하며, 비판하고, 발전할 수 있게 한다. 이런 이유 때문인지는 몰라도 서자현의 초기작업은 한국적이며 동양적 색채가 강하다. 한지를 사용한 콜라쥬기법의 초기작품들은 갈색 톤에서 비롯한 자연스러운 색채 위에 추상적 이미지를 그려낸 존재론적이며 근원적인 시공간을 표현한 것들이다. 우주본례의 시간을 탐구하듯 녹이 쓴 것은 자연스러운 색채 위에 선이나 점 혹은 형상의 부분을 그려 넣어 인간이 주인공으로서가 아닌 부분 안에서 생성과 움직임, 소멸이라는 대 우주적 순환의 조화를 만들어낸다. 이 작업은 꽃이 핀 부분만을 평면적이며 사실적인 테크닉을 사용하여 동서양 화법과 더불어 철학적인 면도 조화를 이루는 듯하다. 인간이나 사물이 자연속에 한 부분이거나 인간이 주도하는 세계에도 속하지 않은 주체와 객체간의 독립적이며 동시에 상호간 화합하는 세계를 보여주는 작품이다. 정신과 육체, 이성과 감성, 부분과 전체라는 보편적 세계관의 조화의 균형은 일련의 ‘la matière’ 작업들 에서도 볼 수 있다. 이 작업은 물질적은 질료 탐구를 시도한 작품으로 서자현은 물감과 복합적 재료를 사용해 긁고, 찍고, 새기고, 붙여서 만들어낸 두텁고 거친 질감을 통해 내재된 작가의 강한 에너지를 표출해 낸다. 재료를 다루는 행위는 우연과 필연이 함께 해 한정된 세계 안에서 에너지와 질료가 강하게 만나 거칠고 다이내믹한 힘을 품어낸다.

무궁무진한 질료와 색체를 탐구하는 것은 역설적으로 정신성의 광대함을 탐구하는 것과 일치한다. 그러나 이 광대함의 세계로 진입하려면 삶에 대한 겸손과 경건의 자세가 요구되고 인내와 노력이 필요하다. 그 결과 그 내면으로 들어가게 되고 우리는 그것을 경험하게 된다. 서자현은 그러한 과정을 인식하고 나아가려는 자세가 엿 보인다. 이것은 기독교인으로서 삶을 표현하고 있는 최근작업까지의 변천과정을 설명해 줄 수 있는 이유이기도 하다.

그가 강하게 재료를 실험하면 할수록 내면과 정신적인 것 또한 갈망하게 되고 추구하게 된다. 질료를 사용하지만 그 안에 숨어있는 우주 속을 배회하는 근원적이며 원소론 적인 정신의 본질을 찾아 형상으로 그려내고자 하는 것이다. 서자현은 솔직하고 자유로운 표현방법을 택해 스스로가 택한 재료를 통해 그가 가지고 있는 정신성을 표현해 낼 줄 아는 작가이다. 그것은 인간이 질료와 형상을 갖고 있는 것 과도 연결되는 너무나 근원적인 행위이며 매우 자연스러운 표현방법이다. 서자현은 이성과 감성, 몸과 마음과 정신을 골고루 사용하는 장점을 많이 가진 작가다. 예술의 행위는 작가의 가장 솔직하고 자연스러움에서부터 출발하여야만 감흥을 얻어내고 작가에게서도 발전적이다. 서자현은 아직 젊은 작가로서 많은 에너지와 실험정신, 사회 안에서의 작가정신, 진지한 삶의 태도에서 예술과 삶이 일치되는 생활 속에서 좋은 작가로 성장할 발전가능성이 많다. 그러나 지금부터는 더욱 더 신중한 탐구정신과 충분한 작업량이 필요하다. 삶에서 절망, 고통, 욕심에서 벗어나기 위해 각고의 노력이 필요한 만큼 진정한 예술가로서 거듭나길 위해서도 창조적인 행위를 위한 뼈를 깎는 노력이 필요하다. 마음에서 일어나는 움직임에 귀를 기울이며 실천할 때 가장 마음에 드는 결과를 얻게 될 것이다.

  • Instagram
  • Facebook
  • YouTube